저울을 든 여인

《저울을 든 여인》은 네덜란드 황금기의 화가 요하네스 페르메이르가 1662~1663년 무렵에 완성한 유화예요. '저울을 시험하는 여인'이라고도 불리지요. 한때 이 그림은 《금을 다는 여인》이라 불렸어요. 그런데 면밀히 살펴본 결과 여인이 손에 든 저울 위가 텅 비어 있다는 사실이 밝혀졌고, 그 발견이 그림 전체의 의미를 바꾸어 놓았답니다.

창가의 부드러운 빛 속에서, 은은하게 임신한 듯 보이는 젊은 여인이 빈 저울을 들고 가만히 균형을 살피고 있어요. 그 앞 탁자에는 보석함이 열려 있고, 진주와 금붙이가 그 밖으로 흘러넘쳐요. 왼쪽 앞에는 푸른 천이 놓여 있고, 그 위 벽에는 거울이, 그리고 화면에는 보이지 않지만 황금빛 커튼이 드리운 왼쪽 창에서 빛이 들어오지요. 여인의 모델은 페르메이르의 아내 카타리나였을 것으로 짐작돼요. 텅 빈 저울 하나가 이 모든 고요의 중심에 놓여 있는 셈이에요.

이 그림의 의미를 둘러싸고는 해석이 분분해요. 가장 결정적인 단서는 여인의 등 뒤 벽에 걸린 그림이에요. 바로 '최후의 심판'을 그린 그림으로, 두 팔을 들어 펼친 그리스도의 모습이 담겨 있지요. 여인이 바로 그 심판의 그리스도 발치, 정확히 그 아래에서 무언가의 균형을 재고 있다는 점이 깊은 울림을 줘요.

그래서 누군가는 이 그림을 덧없음을 일깨우는 바니타스로, 누군가는 신성한 진리나 정의의 표현으로, 또 누군가는 균형 잡힌 삶을 권하는 종교적 명상의 보조물로 읽어요. 존 마이클 몬티아스 같은 비평가는 여인을 '아직 태어나지 않은 영혼의 무게를 상징적으로 재는' 마리아의 형상으로 보기도 했어요. 한편 여인이 자신의 귀중품을 달고 있다고 본 이들은, 등 뒤 최후의 심판이 '땅의 보물보다 하늘의 보물에 마음을 두라'는 가르침을 건넨다고 풀이하지요. 이때 벽의 거울은 그 헛된 추구의 허무함을 비추는 장치가 돼요. 또 다른 해석에서는, 저울이 세속의 소유와 영적 경건 사이의 신중한 조화를 나타내고, 거울은 여인의 자기 인식을 비춘다고 보아요. 어느 쪽으로 읽든, 텅 빈 저울은 무게를 다는 행위 자체를 영혼의 고요한 명상으로 끌어올린답니다.

페르메이르 특유의 빛과 정적은 정교한 재료에서 나와요. 헤르만 퀸의 첫 안료 분석에 따르면, 앞쪽 푸른 식탁보에는 값비싼 울트라마린이, 회색 벽에는 연백이 쓰였어요. 환한 노란 커튼의 안료는 처음엔 인디언 옐로로 잘못 알려졌지만, 이후 연구로 납주석황임이 밝혀졌지요.

흥미로운 뒷이야기도 있어요. 훗날의 기술 조사에서 이 그림이 한참 뒤에 사방으로 약 5센티미터씩 덧대어졌다는 사실이 드러났는데, 안타깝게도 1968년 퀸이 분석한 시료가 바로 그 덧댄 부분에서 채취된 것이었어요. 그래서 커튼 안료가 한동안 잘못 알려졌던 거예요. 작품의 내력도 화려해요. 1696년 암스테르담에서 야코프 디시우스의 유산으로 페르메이르의 여러 작품과 함께 팔렸을 때, 이 그림은 155길더를 받았어요. 같은 자리에서 《잠든 여인》이 62길더, 《장교와 웃는 소녀》가 약 44길더에 팔린 것과 견주면 상당히 높은 값이었지요. 다만 《우유 따르는 여인》의 177길더에는 조금 못 미쳤답니다.

먼저 여인이 든 저울에 눈을 모으고, 그 위가 정말 텅 비어 있는지 확인해 보세요. 한때 '금을 다는 여인'으로 오해받았던 바로 그 빈 저울이, 이 그림의 모든 명상을 시작하는 지점이랍니다. 그다음 시선을 탁자 위로 옮겨, 보석함에서 흘러넘치는 진주와 금붙이의 은은한 광택을 살펴보세요. 이어 여인의 등 뒤 벽으로 눈을 올려, '최후의 심판' 속 두 팔 벌린 그리스도가 마치 여인의 머리 바로 위에 자리하도록 배치된 절묘함을 음미해 보세요. 세속의 보물과 영혼의 심판이 한 화면에서 수직으로 마주하는 순간이지요. 마지막으로 왼쪽 창에서 비스듬히 들어와 여인의 손과 이마, 흰 두건을 어루만지는 빛의 흐름을 따라가 보세요. 그 한 줄기 빛 속에 페르메이르가 평생 매달린 정적과 고요가 가득 담겨 있답니다.